Des morphologies hétérogènes - Le cadre privilégié de l'atelier met en scène des objets improbables, qui nous résistent dans leur quête d'une indétermination, hétérogènes dans leur matérialité et leur morphologie :
- Une guirlande de cheveux se présente sous la forme d'une pelote. Son volume est celui d'une tête humaine. Précieuse relique auratique, elle affirme simultanément sa dimension haptique et littérale. Objet et sujet se confondent dans une réalité ordinaire transfigurée par la magie d'une opération artisanale de filage. Ligne de force et fil d'une pensée en développement, la guirlande a vocation à circuler en reliant chacune des aiguilles dont elle traversera le chas. Il ne s'agit pas ici d'explorer tous les aspects d'une symbolique capillaire inépuisable mais retenons, sans souci d'exhaustivité, les liens qui se tressent d'emblée avec les thématiques de la séduction, de l'ornementation, de l'attribut signe d'appartenance à un groupe, ou encore des rites funéraires. Dans mon imaginaire, ces cheveux induisent dans l'instant de l'atelier l'image de récepteurs dont les racines plongeraient dans une noosphère, agrégat de l'ensemble des consciences.
- Près du mur, des moulages de troncs séculaires, corps glorieux, possèdent un fort degré d'iconicité. A la fois indices d'une matrice originelle et images sculpturales de cette même matrice, ils semblent vouloir établir la connaissance intime (incluant mémoire, temporalités, stigmates) des deux troncs de frêne matriciels tant est précis leur grain dont les moulages incandescents rendent compte. Issus d'une transmutation alchimique dans le cadre ritualisé d'un panthéon sylvestre, ils semblent s'inscrire dans une théologie panthéiste initiant l'avènement d'un révélé métaphysique qui échappe à l'ordre du discursif.
- Devant la baie vitrée, des aiguilles de couturières sont monumentalisées dans l'aluminium et mouchetées d'une base semi hémisphérique, stylisation d'un coussinet de dentellière ; hors d'échelle et verticales, elles sont des images génériques sculpturales, capteuses nerveuses et frissonnantes promptes à propager les vibrations d'un sol métallique martelé par des pas. Ces pièces suscitent des images à la fois harmonieuses et conflictuelles : paratonnerres orientés vers les énergies telluriques du sol et totem ascensionnel sexué (chas), trait d'union inscrit dans la verticalité ; elles sont par leur ambivalence, images doubles, corps simultanément pétrifiés et dynamiques.
- D'autres productions viennent compléter dans l'atelier, cet inventaire à peine amorcé : une dent de sagesse, fragment minéral archaïque, est également représentée dans la résine laiteuse, en rupture d'échelle, dotée de racines effilées. Elle est comme le cheveu production physiologique, conjuguant vanité inerte et symbole de force vitale. Un trophée tragique est posé provisoirement en appui sur une marche d'escalier : un moulage d'une tête féminine se découpe sur un fond carmin tapissé de roses métaphoriques.
- Sont absentes de l'atelier les peaux en latex, écorchés obtenus à partir d'une sculpture d'homme (les déshabillés), les boules en organza qui suggèrent par leur morphologie un monde en gestation ; ces boules livrent un état de la matière bien davantage qu'une forme (Origine). Manquent également les formes textiles coniques, suggestions d'épées rendues inoffensives (Rituel funéraire). Ni idoles, ni copies, ni effigies, ces présences complexes, affranchies de toute narrativité, tiennent lieu de véhicules mentaux.
Une rhétorique plastique. Des objets plastiques établissent dans leur coexistence des connexions diverses, équivoques, illogiques, selon des affinités électives ou pas. Ces connexions servent une rhétorique plastique dans ce jardin métaphorique au contour indécis qui dialoguera avec l'espace et les collections muséales. Cet ensemble métissé s'organise en réseau spatial de même que les mots s'organisent syntaxiquement. Cependant, cet ensemble ouvre les objets sculpturaux qui le constituent à différents niveaux de perception : oscillant de façon instable du réel au figuré, de l'icône (image) au symbole, du symbole à l'indice, ces créations sculpturales démontrent que différentes catégories sémiotiques peuvent se conjuguer en un même objet. Par cette instabilité et ce réseau, notre artiste parait vouloir partager l'intuition d'une vérité ontologique inaccessible, une vérité originelle que les mots ne sauraient contenir ou épuiser. Elle semble exprimer son intuition d'un mystère qui échappe au domaine de la raison, incommunicable, et par lequel nous sommes incompréhensibles à nous-mêmes (Pascal). Ainsi, l'installation à venir n'est pas à lire car elle ne saurait porter un sens univoque, clos sur lui-même, ou attendu.
Des espaces magnétiques. Dans ma vision actuelle de ce qui sera, des espaces magnétiques exercent des forces contradictoires que le visiteur éprouve. Ce dernier pénètre et traverse des lieux revisités, dynamiques et instables. Ces lieux mettent en scène les dialectiques de l'apparition et de la disparition, de l'ombre et de la lumière, de la masse et de l'apesanteur, de la forme et de l'informe, du visuel et du tactile, du pérenne et du provisoire, de la lettre et de l'esprit, en une théâtralité dense. Ces espaces magnétiques ne se laissent pas circonscrire dans une topographie muséale figée. Les objets sculpturaux n'habitent pas véritablement des espaces de transition mais ils les portent en germe. Ils portent la potentialité de ces espaces dont ils sont les noyaux. Ces espaces sont émanation, extension, voire développement des objets. Le son et l'éclairage les façonnent diversement. Ils sont une réalité mythique apte à nous faire approcher une compréhension de l'ineffable, aptes à lever en nous, lorsque nous les vivons, une relation empathique au mystère de la vie et de l'univers.
Un dispositif spatial emboîte deux univers vivants : un espace intime (et sonore : battements de cœur d'un nouveau-né) d'intériorité pure, celui de notre artiste, et un espace muséal collectif et impersonnel, c'est-à-dire un espace encyclopédique de conservation, d'archivage et d'exposition. Deux espaces s'absorbent mutuellement tout en s'explicitant en un rapport de réciprocité. Des temporalités se croisent au cœur d'un art du contextualisme. Si les objets archéologiques, ethnographiques ou textiles habitent l'espace muséal, les productions accueillies créent leurs propres espaces tout en composant avec l'existant. Le spectateur, passant et sujet percevant, voit son ombre spectrale s'insinuer dans la scénographie ainsi recréée en un jeu de distorsions. Il est ainsi invité à éprouver les mouvements de ces espaces gigognes, statiques et dynamiques. Passer ainsi, c'est aussi s'inclure ou faire parti du décor.
Une artiste intercesseur. De même, par le jeu du partenariat, l'œuvre construit autrement du lien interhumain. Elle naît d'une sous-traitance (avec des artisans très impliqués notamment), négation d'une pratique autarcique qui donnerait l'illusion à son auteur de ne rien devoir. Ce travail interroge autant les formes que les attitudes. La posture intérieure de l'auteur est celle de l'intercesseur et de l'initiatrice par qui une mythologie subjective trouve sa visibilité sensible. Par la grâce de sa voyance, l'auteur nous mène dans les méandres d'un voyage intérieur. Elle ne communique pas sa vision mais la communie, explicitant ainsi le mot de Sol Lewitt, en réalité, l'artiste ne peut pas expliquer l'œuvre, c'est l'œuvre qui explique l'artiste. Un patrimoine muséal archéologique se voit réfléchi dans une poétique plasticienne très personnelle. Cette poétique semble naître de la nostalgie enfouie d'un manque, ou du deuil d'une patrie dont nous serions exilés selon l'hypothèse d'une certaine pluralité des mondes. Elle naît du désir d'une vision sublime des origines apte à nous faire saisir l'énigme de la vie et de l'univers. Elle naît du désir de produire des objets qui nous dépassent, comme autant de clés aptes à déverrouiller et gouverner ces portes cadenassées qui entravent une circulation subtile entre deux mondes. Elle exprime le désir de les toucher faute de pouvoir les toucher, le désir d'un abandon innocent à une nouvelle sensibilité.
Jean-Claude Guerrero
Professeur agrégé d’arts plastiques
Rechercher l’énigmatique
Brigitte Batteux est une ethnologue des sociétés utopiques, des tribus déplacées, des hordes imaginaires, des clans légendaires, des communautés irréelles. Elle est une archéologue des objets incertains, des traces brouillées, des choses indéfinies, des instruments approximatifs, des vestiges équivoques. Elle est une anatomiste des corps ambigus, des corps indéterminés, des enveloppes flottantes. Elle est une géographe des espaces ignorés, des terrains vagues, des continents inexplorés, des frontières oubliées. Elle est une historienne du temps instable. Elle expose à Clermont-Ferrand, au Musée Bargoin, des formes énigmatiques, des silhouettes anonymes, des lignes furtives, des figures dissimulées.
Le tronc du frêne
Au Musée Bargoin, dans cette exposition, tout commence par un immense tronc d’arbre, qui va du sol au plafond. Ce tronc s’impose comme « l’élément majeur » et forme le « prologue ». L’artiste a trouvé, d’abord, dans un champ, l’arbre mort ; puis elle l’a transporté en atelier. Le tronc devient l’exorde, le point initial. L’arbre est une force, une affirmation de la Nature, un jaillissement, une genèse. L’artiste retravaille l’arbre, le transforme par des moulages, par les racines modifiées, par la cire, par les feuilles d’or. Ce seraient l’éclat de l’or, la gloire du surgissement végétal. La vie, la mort et une sorte de résurrection étonnent, éblouissent.
L’arbre est un frêne d’une centaine d’années. Dans les mythes scandinaves, le frêne Yggdrasil est l’axe du monde. Il relie tous les niveaux de l’univers. Il est l’emblème de la fécondité. Il serait le fondement de la vie, du savoir et du destin. Il serait un centre, un lieu des rencontres du haut et du bas, un croisement des autres directions. Il se dresse.
Brigitte Batteux considère cet arbre comme un « témoin », comme un garant, comme un observateur de l’espace. L’arbre se souvient. Il est un double de l’humain. Le corps végétal se développe, s’épanouit ; il jouit ; il souffre ; il se sèche ; puis il renaît. Il traverse les quatre saisons.
Une lumière sourde
Ou bien, dans le Musée, Brigitte Batteux donne à voir une lumière sourde, diffuse, à demi égarée, qui suppose une étrange épaisseur de la brume. Dans une salle obscure, dans les ténèbres, cette lueur tamisée et douce est enveloppée par trente mètres d’organsin ; elle est voilée ; elle se devine dans les plis et les replis de la gaze subtile.Tu entends le battement obsédant du cœur d’un petit enfant. Cette installation se nomme l’ «Origine ». S’agit-il de l’origine du cosmos ? Ou bien serait-ce la naissance d’un humain ? Ou encore serait-ce l’aube ?
Les trophées et le sourire
Sans terreur, sans angoisse, trois trophées, trois têtes coupées de femmes, se posent sur les fleurs artificielles de la mélancolie. Les trophées sont les têtes de l’ennemi vaincu ou, peut-être, celles des ancêtres. Les trophées signifient les chasses et les combats passées ; Les têtes ont les yeux fermés. Tu entrevois le sourire ambigu, ironique, peut-être tendre, de ces femmes apaisées, tranquilles. Elles semblent avoir gagné.
Les peaux, les dents, les ex-voto
Assez souvent, l’artiste peint et sculpte des corps morcelés : des têtes, des mains, des bras, des nombrils, des pieds, des jambes, des oreilles, des peaux…Des fragments divers constitueraient des ex-voto, des reliques. Les ex-voto sont des objets placés en des lieux sacrés en accomplissement d’un vœu ou en remerciement d’une grâce obtenue. Les reliques sont les restes des saints et des héros, leurs ossements.
C’est de l’humain. Ce serait l’hommage aux vivants, le respect des vivants.
L’artiste sculpte aussi les dents fantastiques, inquiétantes ; leurs trois racines forment un trépied ; une mâchoire s’exhibe. Les dents signifient l’oralité, le cannibalisme, la voracité, la faim. Dans certaines légendes de l’antiquité, les hommes armés surgissaient de la terre à partir des dents d’un dragon, qui avaient été semés. Ou encore, tu écouterais les grincements presque silencieux des dents. Quelques uns ont l’espoir de retrouver leurs dents le jour de la résurrection.
En 2000, l’artiste moule et suspend des peaux d’hommes mâles (sans têtes). Ce sont des peaux en latex, des peaux d’écorchés. On pense au silène Marsyas qu’Apollon a écorché, à Orphée que les femmes thraces ont déchiré, mis en pièces, au martyre du saint Barthélemy en Arménie. L’artiste nomme ces peaux, ces dépouilles des « déshabillés ». Elle expose des corps dévêtus, sensuels, suspendus à des cintres, teintés. Ces « déshabillés » pourraient être saisis par une transe ; ils tourneraient par le vent, ils seraient des mannequins, à la fois présents et absents. Des fantômes sans visage circulent.
Un piège de vingt-cinq aiguilles
Brigitte Batteux organise une installation insolite qui comporte vingt-cinq très longues aiguilles (en fonte d’aluminium) ; soixante-dix mètres de cheveux naturels forment un fil qui passe d’un chas de l’aiguille à l’autre, etc. Le sol est constitué de plaques d’acier. Chaque aiguille se pique sur un coussinet en plomb.
L’installation s’intitule « Espace-Temps ». Elle serait un labyrinthe de la pensée, une sorte de piège, un leurre, un dédale, une structure complexe, un jeu des aiguilles et des vides.
Le lieu d’un rituel funéraire
En un rituel funéraire des Gaulois, Brigitte Batteux invente un lieu rouge d’épées pliées, un territoire hérissé et violent. Elle imagine des flammes, des blessures ; elle évoque des incendies et des combats. Elle suggère une cérémonie des guerriers tués, les obsèques glorieuses, les rites des funérailles solennelles. Elle emploie soixante-dix lances, une structure métallique recouverte de satin rouge, un tourillon en bois peint.
Le satin rouge unirait la douceur et la férocité, le velouté et le cruel. Il conduirait les passants vers le recueillement, vers la ferveur, vers la contemplation, vers le respect du guerrier mort, vers le deuil. Les passants traverseraient le seuil du lieu sacré.
Le rouge exprime aussi le sang, la vie qui s’en va, la colère des guerriers. Sous les armes pourpres, un héros se repose.
Au premier Age du Fer (en particulier de 540 à 450 av. J-C), des armes mutilées, des armures abimées ont été déposées dans certaines sépultures. Parfois, des animaux sacrifiés et ces armes sont voisins.
Les épées des morts sont pliées dans certains tombeaux. Elles ne peuvent être utilisées ni par les vivants, ni par les revenants. Pliées, mutilées, courbées, les épées et les lances ont perdu la pointe ; elles ne percent plus.
Celle qui guide
Brigitte Batteux guide, conduit. Elle pilote. Elle explore les régions inconnues de l’au-delà, les zones ignorées, l’inframonde, les royaumes obscurs, les climats changeants, les atmosphères indéfinissables, les lueurs voilées. Elle dresse les cartes géographiques des pays de l’autre monde. Elle trace des itinéraires. Elle propose de nouvelles voies, des chemins détournés. Elle est une passeuse qui traverse les frontières floues, les démarcations imprécises. Elle découvre les traces des humains. Elle cherche les signes de pistes, les indices indécis.
Gilbert Lascault
Historien et critique d'art, professeur d'esthétique, de philosophie de l'art à la Sorbonne
Les traces, les rites, les itinéraires en pdf
La proposition qui m’a été faite d’exposer dans un musée d’archéologie et d’ethnologie est une véritable ouverture dans ma quête sur « l’identité », elle n’est pas arrivée par hasard car j’ai toujours eu ce regard, cette attention, étudiante je suivais les cours d’ethnologie de Jean Laude à la Sorbonne. Il n’est donc pas étonnant que ce soit mon travail d’artiste qui me ramène aux sciences humaines.
Cette exposition en ce lieu va me permettre de sortir des chemins traditionnels de l’art contemporain, lieux où la spécificité est immédiate. Alors que dans ce musée je m’autorise à donner une impulsion, une dynamique vers l’ouverture au monde…
Dans une société où « tout » est répertorié, « sectorisé », il me plait beaucoup de pouvoir pousser les barrières et d’entrer dans l’immense cour de l’humanité, d’aller sur la trace de l’homme, de « pénétrer sa mémoire ».
De la naissance à la mort, il y a un espace, un temps, c’est de cet espace-temps dont il est aussi question. L’Homme en devient le passeur.
Témoin
L’arbre s’est imposé comme premier symbole indicible de la vie, il est le témoin silencieux et révélateur de la trace de l’homme. Son aspect naturellement hiératique devrait enseigner respect et vénération. Il devient l’exorde de l’exposition. Le tronc du « Grand Arbre » est séparé en deux, la partie supérieure suspendue au plafond définit la notion d’infini, elle traduit aussi « l’idée » d’élévation à laquelle l’homme aspire, tandis que la partie inférieure révèle l’enracinement séculaire. L’accumulation des arbres vient préciser la multitude dans la similitude (en écho à l’humanité).
L’espace entre la partie supérieure et la partie inférieure est là comme signifiant d’une cassure, une rupture entre lui et le cosmos et en lui-même. Est-ce qu’il y a « possibilité de reconstruction » ?
Trophées
Trois trophées, 3 têtes de femme accrochées comme des trophées de chasse, trop enclines au non-respect de l’humanité et au-delà de l’horreur, elles affichent leur dignité. Elles sont là comme « passeuses » et donneuses de vie, elles annoncent l’installation de «Origine».
Origine
Dans une salle plongée dans le noir, seuls, un battement de cœur de nourrisson, et la présence d’un volume informel réalisé en organza tentent de traduire l’aspect insondable de l’origine de l’homme. Une source lumineuse intérieure suscite les méandres obligés de notre passage à la vie. La question du passage du néant à la vie est sous jacente.
Espace temps
Du virtuel au réel ; errance entre des aiguilles [4], leurs ombres et leurs reflets. Un fil de cheveu les relie, lien de vie, il projette son ombre échevelée sur les murs et les aiguilles projettent leur reflet d’acier au sol [5]. Cette profusion d’images aux dimensions multiples nous fait perdre la notion de grandeur du lieu, une sensation de plaisir et d’agacement, peut-être, devant ce manque de repères… Nous sommes dans « l’espace-temps », impalpable, « immesurable », incompressible, il nous échappe…
Côté archéologie
Les dents
« Sagesse » et « dents pour dents »
Ces dernières années j’ai morcelé le corps, j’ai peint des corps sans tête, des têtes, des mains, des pieds, des oreilles…ce travail m’a fait comprendre qu’à travers ce morcellement, je voulais réunir le corps et la tête, reconstruire, pour mieux « rassembler ». L’œuvre de toute une vie… Lors des découvertes archéologiques, le corps est très souvent retrouvé morcelé, j’ai pensé poursuivre ce chemin en présentant des parties de corps et j’ai choisi les dents [7], de plus celles-ci sont rarement exposées seules, c’est pourquoi je veux insister sur cette présentation, donner de l’importance afin de porter un autre regard.
« le déshabillé »
Il y a 10 ans j’ai réalisé des déshabillés en latex, des peaux d’homme, j’ai recouvert de latex une sculpture (d’homme) que j’avais créée auparavant, puis je l’ai déshabillée, j’ai fait ce geste 19 fois, 19 peaux pour dévoiler tous nos « moi », toutes nos différences. Je vais confronter une de ces peaux à la tunique des Martes de Veyre découverte dans la région, cette confrontation voudrait permettre un dialogue avec les différents matériaux, avec les différentes époques, les différentes cultures et sensibilités.
Pour réaliser ce projet j’ai utilisé des matières qui sont proposées dans la collection du musée que ce soit, le bronze, les tissus… J’ai aussi souhaité confronter à ces techniques ancestrales des « technologies » contemporaines. Ce n’est pas que le fait de travailler un matériau particulier mais la nécessité de créer d’autres concepts de pouvoir de pensée, de pouvoir de volonté, de pouvoir de sensibilité.
J’aimerais à travers cette déambulation confronter le visiteur à sa propre réalité, qu’il soit « acteur ». Je souhaite que ce concept de « passeur » suscite de lieu en lieu des sensations lointaines ou oubliées, qu’elles surgissent inopinément et permettent d’aller chercher loin, très loin, le moindre indice de « sens » avec la vie… La mythologie individuelle ne sert-elle pas de fondement à la pensée universelle ?
Brigitte Batteux
Artiste plasticienne
Ce projet est dans la continuité de face à…, l’objet représenté plastiquement est ici l’homme. L’individu se trouve dans une confrontation non seulement à lui-même mais au monde. Il est en devenir, il est dans un espace – temps, il est en attente de…
La conscience du corps est à la croisée de l’individuel et du social, de la référence subjective et de la norme collective, du concret et du virtuel.
La conscience du corps reste inséparable de l’imaginaire et de la vision du monde.
Désormais le corps s’affiche, il est à la fois regardant et regardé, il est effet de miroir.
En attendant… pose la question du passage entre le moi et le monde, cet espace qui met l'homme en état d’attente, en état d’attention, être aux aguets selon Deleuze.
Alors se pose la question de la temporalité, le temps vécu conçu comme une succession.
Brigitte Batteux
Artiste plasticienne
Des écorchés, non. Ou comme Barthélemy tient sa peau de Michel-Ange au Jugement. Sauf qu’eux arrivent à leur derme et sans balance accrochés en peau de capote à un cintre. Latex qui ne couvre rien qu’il n’ensache en corps moins. Le sexe, les mains tendus au bout de bras ballants, les genoux fléchis, rien ne marche. En flasque, ils flottent. Que creuses dépouilles de grenouillères, aujourd’hui caoutchouc évidant le chaos d’ssous, voilà doux ! Le moule perdu, reste l’enveloppe. Sans la tête. Comment s’y reconnaître ? Elle dit : sortir des entrailles de sa mère en pleine cuisson de tripes dans le restaurant. Jambons, épaules, poitrine : plats. Le ventre : abats.
Des gisants ? En a-t-on jamais vus à plat ventre ? Et même de face, sur le dos, qu’offrent-elles ? Un capot de peau, sans momie verrouillée dessous. En partance vers où ? De tripe en tripe ? Non ! Du voyage dans l’en deçà ne subsiste que les voiles en plastoc plaquées par quel vent sur fesse ou ventre évaporé. Envolé aussi leur crâne, leur visage. N’ont plus besoin de faire mime de rien pour se donner un air qui a déjà miné la farce des chairs. Leurs rondeurs, n’en font pas un plat. Bras jambes légèrement écartés, comme si elles se présentaient debout. Elles sont couchées sur un lit de sable. On sent le vague qui les soulève, une lame entre.
La peau des uns n’est pas tendue. Pas tam-tam. Ni davantage leur coffre à elles ne résonne de pensées philosophiques adressées aux femmes. Rien qu’une enveloppe, mais sans timbre à personne l’être et son nid dans l’idée. Creux ! Le dedans élidé. Pas de corps, donc pas d’âme ! pas d’âme. Juste un air qui arrive en courant, soufflant derrière ce qui plus léger de vent : vous pâme. La vie à vif une fois vidé le milieu qui vous gonfle. Oh ! crevez-le. Reste le peu sans peur aucune, à ne garder que l’appeau qui donne du chant à l’oiseau. Eh oui, les piafs ! Padam… C’est un air qui la chair vous remplace. Il se moule, il se palpe, de face ou de dos.
Jacques Demarcq
Poète et traducteur
Depuis plusieurs années l'idée d'identité est au centre de mon travail.
Déshabillés ou le Moi - peau selon Didier Anzieu fut la première installation consacrée à cette réflexion. Il s'agissait de montrer par une multitude de peau en latex d'un même corps, les états multiples de l'individu, ses Moi et ses émois
Reproduction, répétition, contradiction, transformation incessante, inépuisable, épuisante - Multiplication donc - . C'est bien vers cette multitude que je m'engage et de constater que dans cet état labyrinthique, l'homme se perd. C'est pourquoi la quête de sa propre identité est incontournable, remonter aux origines, la naissance.
Lors du passage de la vie intra-utérine à la vie extérieure, l'enfant est relié à sa mère par le cordon ombilical, ce lien entre le dedans et le dehors reste le témoin manifeste de cette rupture. Il est selon le mythe platonicien non pas un signe de contentement de soi ou d'égocentrisme, c'est au contraire un rappel à plus de modestie, le signe discret dénonçant que nous ne sommes pas à l’origine de notre propre création.
C'est à ce témoin et à la femme qui le contient que je me suis intéressée dans ce travail Face à…
Rencontre à l'atelier avec 21 femmes, jeune fille, mère, grand-mère… venues donner l'empreinte de leur nombril, référant unique et universel de l'état de vie. De ce moment passé à l'atelier, elles ont gardé une sensation, une odeur, une émotion…elles ont écrit, ces écrits sont rassemblés en un recueil Elle dit.
Puis j’ai effectué le moulage d’un corps de femme pour réaliser une sculpture, celle-ci est composée de deux parties la Face et le Dos, le devant et le derrière. Il était important pour moi de diviser le corps pour traduire la dualité à laquelle l'individu est confronté, la reconstruction à laquelle il doit faire face, c'est l'œuvre de toute une vie. C'est de ce combat, de ce Face à Face dont il est question. Incontournable, implacable.
Dans ce jeu incessant de l'être et du paraître, dans ce dédale obsédant, je découvre la face cachée, celle qui, enfouie sous les milles facettes, apparaît promptement ou pudiquement. Le corps, traduction de nos âmes, rêve d'unité, de perfection et pense échapper à la morsure cruelle de la vie, en se parant.
Inlassablement, nous passons notre vie à repriser avec une attention particulière, nous glissons le fil entre deux états d'errance, nous agissons sur l'envers et sur l'endroit dans l'espoir de rassembler le moindre lambeau de bonheur. Je voudrais dire combien ce travail laborieux demande d'attention et de soin, on ne peut pas faire semblant sinon la déchirure redevient béante, le fil, lien de vie, reste à définir pour le choisir enfin. Alors pourrait-on parler de liberté…
Brigitte Batteux
Artiste plasticienne
« Lorsqu’on peint, on peut déboucher soudain devant une chose si démesurée que personne n’en viendra jamais à bout… », écrit Rainer-Maria Rilke dans ses lettres sur Cézanne. Brigitte Batteux emprunte cette voie. Sa démesure est obsession. Et son obsession est le corps. En effet, depuis plus de dix ans, l’homme hante ses tableaux. Elle le regarde, le cherche, l’observe. Et le traque. Sans cesse. Elle désire peindre le corps. Elle sait cela. Elle ne sait que cela. Figure massive dans l’embrasement d’une porte, il passe souvent dans ses toiles. Les traverse. Fugitif, timide, un peu gauche. Puis marqué, torturé parfois. Mais comment montrer les états multiples de l’être, « ses moi et ses émois », s’interroge depuis peu l’artiste, qui, comme son aîné Henri Michaux a été marqué dans sa jeunesse par l’enfermement et la solitude de pensionnaire. Comment donc capter sa diversité et ses paradoxes ? « Moi se fait de tout, hurlait le père de Monsieur Plume. Il n’est pas de moi, il n’est pas dix moi, il n’est pas de moi. MOI n’est qu’une position d’équilibre ». La littérature libéra l’un et l’autre. Et si à quinze ans, Brigitte Batteux dévore Rimbaud, ce sont désormais les « personnages doubles », dit-elle, de Fernando Pessoa qui guident son œuvre.
Les corps sans tête
« Une amie travaillait le latex. J’ai tout de suite été fascinée par cette matière…Suivirent un an de travail et d’essais…Un désir et un plaisir encore jamais rencontrés », avoue le peintre. Puis « quelqu’un a posé dans l’atelier ». Depuis dos à l’immense verrière qui accueille la lumière, demeure une forme d’homme assis. Un moule imposant et massif. Nu. Sans tête. Brigitte Batteux le travaille depuis des mois. Patiemment. Au pinceau. Violant toutes les règles classiques de l’art, elle étale sur la matrice de grillage et de papier de soie, le latex. Couche après couche. Pures ou mélangées à des charges calcaires, de la sciure ou des voiles, colorées de pigments, les nouvelles peaux de l’homme déshabillé deviennent chair et se teintent. D’ocre, de noir de gris, de gris de bleu…Ils sont ainsi dix-neuf. Dix-neuf corps dévêtus et sensuels à s’être échappés des toiles pour se libérer dans l’espace. Pour prendre vie. Suspendus à des cintres, selon leur texture, leur transparence, leur matité, ces corps inanimés, ces anatomies mystérieuses changent de forme et d’attitude. Disloquées comme arrachées, ces mues successives se tordent ou se disloquent, dévoilant les sentiments et les passions humaines. Leurs pulsions. Nœuds de chairs, boursouflures, écrasement, spasmes, affaissements, les mettent dans tous leurs états. Reproduction, répétition, contradiction, transformations incessantes, inépuisables, épuisantes. Multiplication, donc. Rien de morbide ou de mortifère dans la démarche de Brigitte Batteux. Et, pourtant, même si l’artiste refuse d’y voir le tragique, on ne peut que prendre conscience, derrière cette fascination du corps, qu’il y a des siècles de christs morts, de tortures, de massacres où s’inscrivent l’histoire de l’homme et le questionnement de l’art. Car le peintre guette « le mécanisme de la vie, de la non-vie qui se prend pour de la vie… -Elle- épie la solitude, la solitude où vient mourir le bruit de la multitude ». (Henri Michaux)
En appel des visages
Dissociation. Aux corps décapités répondent des visages. Une constellation de visages. Pendant toute une année également, Brigitte Batteux a saisi des portraits, captés des physionomies. Amis ou inconnus participèrent à sa quête. Parmi les dizaines de photographies récoltées, seulement sept furent élues. Puis, comme Francis Bacon, comme Arnülf Rainer, elle retravaille les images. Les couvre et les recouvre à l’aide de l’huile ou de la cire. Mieux encore, elle décline les portraits en série. Souvent en noir et blanc, où, parfois, l’original, dans un rouge sourd, apparait au centre, comme un petit miracle d’éclat. Jeux de cache-cache, de double face, de remise en cause de la ressemblance. Pire. Dans un plaisir de métamorphoses infimes et infinies, les têtes perdent leur identité et deviennent des ombres. Comme un écho à elles- mêmes. Enigmatiques. Peut-être saisies par la transe, en proie au néant, sondant l’inconnu. Ici, derrière les bandelettes de peau, il n’y a plus ni homme, ni femme. Seules les émotions, les vibrations passent de visage en visage dans une œuvre qui prend des proportions monumentales. Ballet guidé par la musique d’ombre et de lumière. Telle Sisyphe, l’artiste représente plus de trente fois une tête toujours différente. Comme un défit jeté à elle-même, à la sémantique et à l’art. Nul doute, la notion de modèle s’effondre. Car la jeune femme aveugle le regard de part et d’autre. Reste la vitrine d’une « anima » toute puissante où se rejoignent les forces de la peinture qui figurent et défigurent en même temps. Ainsi, le geste à la fois destructeur et révélateur de Brigitte Batteux, toujours recommencé, toujours sans complaisance, désigne encore une fois l’inépuisable multiplicité du corps. Et de l’espace aussi. De ses doigts subtils, elle touche le fond de l’homme : son âme. Comme Giacometti, mais avec d’autres moyens, elle partage une même recherche d’intensité et de densité de présence. Une présence évidente, révélée, subite et terriblement forte. Dans un entretien avec Jean Clair, Francis Bacon disait aussi : « c’est la question de donner au personnage l’image de la ressemblance sans son ennui…On voudrait que la chose soit là et pas là, en même temps ». Entre la présence et la dispersion. L’être…Absolu.
Reste le vertige apaisant des « doubles ».
Anne Kerner
Critique d'art
Contrairement à ce que l’on pourrait penser si l’on avait la tête à ça, c'est-à-dire si l’on avait une tête, moi et les autres ça ne fait pas deux : ça fait tout au plus moi multiplié par X, X étant tantôt l’inconnu que je suis et qui se trouve être chacun des autres, tantôt l’inconnue de l’équation par laquelle passe l’évaluation d’un corps animé d’un mouvement uniforme.
Mais voilà ! Mon moi n’a pas de tête ! Sa tête est ailleurs, rangée au rayon de figures toutes dissemblables dans leur ressemblance et qui attend qu’on veuille bien la distinguer des autres.
Or, précisément en attendant, les corps sans tête de tous les « moi » défilent à la manière d’une armée de terre (pardon, d’une armée en terre) de la Chine antique, longtemps ensevelie et récemment mise au jour. Ils défilent en bon ordre, d’un même pas suspendu dans le vide, et nus comme des soldats inconnus. C’est que chaque X n’en finit pas de tenter d’être moi en nuançant ses effets de chair, ses effets de faux parchemin. L’un est plus rosissant, l’autre plus pâlissant, tandis qu’un troisième a les zébrures presque moisies de la déportation.
Et pendant ce temps, les têtes plus nombreuses que les corps font tapisserie. On dirait des ombres elles aussi chinoises, dont le camaïeu ne se différencie qu’à partir d’un infime détail de texture. Chacune est orpheline d’un corps qui ferait d’elle un moi enfin conscient dans sa partie visible, mais dont l’ensemble psychique resterait immergé dans l’inconscient..
« L’homme est obscur à lui-même » dit Alain. Et d’ajouter « Un autre Moi me conduit, qui me connait et que je connais mal ».
Ce serait à en perdre un peu plus la tête, si, en nous forçant à la retrouver, Brigitte Batteux ne nous rappelait pas que la vie se sculpte comme un visage livré aux saisons. Un jour, peut-être, je tiendrai ta tête dans ma main, en croyant que c’est la mienne. Et les corps revêtiront des manteaux de voyage pour rejoindre la source insondable du moi.
Jean-Louis Gauthier
Professeur agrégé d’arts plastiques
Qui est-il ce personnage famélique – entendez cette silhouette à la fois liqueur – qui erre à perpétuité, comme une ombre en peine, à la recherche de l’âme dont son reflet procède ? Brigitte Batteux prétend qu’il s’agit de l’Homme, avec un grand « H », c'est-à-dire l’être humain unique et égaré dans sa solitude, qu’on ne rencontre jamais à force de l’imaginer.
Mais je ne suis pas sûr que la forme découpée sur une toile devenue suaire où s’imprime la trace d’un sang séché, soit la représentation de « l’autre ». Je suis tenté de penser qu’elle est d’abord la projection du peintre lui-même, quêtant l’improbable d’un miroir muet. Alors la forme s’énerve, à la manière d’une sculpture exacerbée de Giacometti. Elle se met en marche sur ses jambages d’olivier noueux et qu’on dirait prêts à céder sous le poids d’un ventre trop long et qui s’affirme trop lourd après qu’on l’a castré. Elle se met en marche comme une larme d’alcool qui roule et coule dans une déformation « goyesque », où l’être se dédouble, se multiplie, se répercute et se répète jusqu’à en perdre la tête.
Oui, jusqu’à n’avoir plus de visage. A moins que ce personnage exprimé à un seul exemplaire - bien qu’il soit itératif et habite des espaces aux tonalités différentes - ne s’identifie enfin, au bout du chemin, au bout de la course qu’il mène contre la lumière, à une figure du Christ. De Christ non pas crucifié, mais décapité et dont la passion trouverait refuge au creux d’une interminable et fine main de femme.
Jean-Louis Gauthier
Historien d’Art (membre sociétaire de l’association internationale des Critiques d’Art et auteur de nombreuses monographies)